Free Guy

Free Guy
7.9
Guy (Ryan Reynolds) trabaja como cajero de un banco, y es un tipo alegre y solitario al que nada la amarga el día. Incluso si le utilizan como rehén durante un atraco a su banco, él sigue sonriendo como si nada. Pero un día se da cuenta de que Free City no es exactamente la ciudad que él creía. Guy va a descubrir que en realidad es un personaje no jugable dentro de un brutal videojuego. Free Guy Critica: Con un alto presupuesto desplegado en brillantes efectos visuales y un espectacular Ryan Reynolds, el director y productor Shawn Levy presenta una aventura enérgica y potente sobre los videojuegos y las realidades virtuales con una fuerte impronta. Dentro de la realidad intencionalmente creada de un juego online conviven sin poseer noción completa de lo ocurrido, una serie de personajes que disfrutan su exactamente monótona y rutinaria vida, virtual. Uno de ellos, Guy, descubre lo invisible a sus ojos como algo impactante y potenciador de majestuosa libertad, la cual explotará felizmente conforme se interne en el nuevo mundo que despiertan sus sentidos, bajo un error que aparenta irreversible para sus inventores. La moderna idea muestra una historia atrapante y extremadamente divertida, portadora de un entretenimiento fulgurante, que nunca pierde peso. Es ágil, inteligente, cómica, caricaturesca, simple. Tiene buen desarrollo de actos y personajes, dándole lugar al protagonista para ofrecer una loable interpretación, demasiado correcta, magnética. Todos los actores y actrices restantes integran un conseguido reparto, con perfecto trabajo de casting. Cada uno se luce en su rol y lo hacen con gracia y altura. La fotografía es bellísima, y en muchos planos y situaciones los colores brillan y denotan la grandiosidad del cine de hoy en día. Junto a los efectos digitales aseveran que la industria ha avanzado con creces, y prueban que lo mágico e impresionante de las películas a través de las imágenes existe. Precisa y excelentemente utilizada musicalización y efectos de sonido. En profundidad, la historia de amor puede pretender un mensaje sobre la aparente ausencia en la presencia no vislumbrada, o algo por el estilo. Prevalece, además, la libertad, la capacidad de poder realizar lo que sea sin ser juzgados, la sólida amistad que sobrevive separaciones tremendas, para luego propiciar una unión con sentida emoción, la expresión inventiva sin impedimentos, el amor sin mascaras y la aceptación por nuestra propia realidad, en función de apartarnos para vivir en paz y concordia. Recuerda en muchas ocasiones a probables clásicos como inspiración, como “The Truman Show” en clara analogía. Muy recomendable para pasar un gran tiempo, con un aporte cultural altamente moderno, que sobresale con una extraordinaria producción y referencias al mundo gamer.

Torrents

Formato Idioma Fecha Tamaño Total Descargas Descargar
1080p DUAL Español Latino 29/09/2021 2.17 GB 184 Descargar

También te puede interesar

Los Octonautas y las cuevas de Sac Actun

Animación Familia Sin categoría
6.6

Los Octonautas se embarcan en una aventura subacuática y navegan por cuevas peligrosas para ayudar a un pequeño pulpo a regresar a su hogar en el mar Caribe. Los Octonautas y las cuevas de Sac Actun Critica: Por una parte, soy un tardío fan de la cinta original. En 1983 me pareció un pestiño (era un adolescente abducido por ‘La guerra de las galaxias’); en 1992, en mi opinión, el montaje del director mejoraba (y mucho) la propuesta; pero no fue hasta hace algunos pocos años, ya en formato blue-ray, en que me sedujo y cautivó por completo y sin reservas. Por otra parte, soy un entusiasta admirador del director Denis Villeneuve, de quien sólo he visto aciertos de todo género y planteamiento, un virguero de las imágenes y del montaje, un artista incontestable y evidente, lo mejor que me he encontrado en una sala de cine en lo que va de siglo. Es decir, que iba con ganas y sana curiosidad al cine, esperando encontrar un propuesta inédita y – sea cual fuera el camino elegido – llena de aciertos… pero nada más lejos de la realidad.Pero vayamos por partes, porque hay muchos aciertos pero también otros tantos deméritos dignos de mención. Entre lo positivo está la puesta en escena que recrea, prolonga y amplía la arrebatadora estética primigenia: esa llovizna casi constante, esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.

Jojo Rabbit

Bélica Comedia Drama Sin categoría
8.1

Jojo Rabbit es un niño viviendo en plena 2ª Guerra Mundial. Su única vía de escape es su amigo imaginario, una versión de Hitler étnicamente incorrecta que incita los ciegos ideales patrióticos del niño. Todo esto cambia cuando descubre que su madre Rosie está escondiendo a una joven judía en su ático. Jojo Rabbit Critica: Taika Waititi ha tenido una década muy interesante. Su estupendo mockumentary Lo que hacemos en las sombras vio la luz en 2014 y se ha ido convirtiendo poco a poco en una de las películas de culto de la década. En 2016 enamoró al público de Sundance con la comedia de aventuras Hunt for the wilderpeople, y tan solo un año después plantó su sello en Marvel, la propiedad cinematográfica más valiosa del momento, con una Thor: Ragnarok que revitalizó al personaje de Thor y que es probablemente una de las mejores películas de la saga. Dos años después nos trae Jojo Rabbit, una comedia sobre la Segunda Guerra Mundial que le hizo ganar el People's Choice en Toronto, el premio más importante de todo el Festival. La anterior ganadora de este premio fue Green book en su camino al Oscar a mejor película el año pasado. ¿Que por qué menciono Green book? Pues porque una vez vista Jojo Rabbit, se entiende que ambas ganaran el mismo premio, ya que comparten muchas similitudes. Ambas cogen un tema delicado (el racismo en la década de los 60 en Estados Unidos vs el antisemitismo nazi durante el Tercer Reich) y lo convierten en una comedia dramática bastante accesible para el gran público. He leído en varias ocasiones que Jojo es una película irreverente, y no puedo estar más en desacuerdo. De hecho, creo que aborda el asunto con muy poco riesgo. Parodiar a los nazis no es algo novedoso, y el tratamiento en esta película es bastante inocuo. La interpretación de Hitler que hace Taika Waititi es moderadamente divertida, y su función de contrapunto es efectiva a la hora de retratar el conflicto psicológico de Jojo, pero el humor de la película es bastante blanco, le falta mala leche. Que oye, tampoco me parece mal. El resultado es simpático, y la progresión temática de la relación entre Jojo y Elsa es tierna, previsible, a menudo sensible y ocasionalmente sentimentaloide. Funciona. Ahora bien, ¿irreverente? Vamos, no me jodas. Irreverente es Ser o no ser. En mi opinión, el punto fuerte de la película está en las interpretaciones. La vena cómica de Taika está más que demostrada a estas alturas, aunque en ocasiones se acerque demasiado al sketch. El debutante Roman Griffin Davis hace un trabajo más que sólido y Sam Rockwell y Scarlett Johansson (vaya pedazo de año está teniendo esta mujer) están fantásticos. Dicho esto, para mí quien se hace con la película es la magnética Thomasin McKenzie, quien ya demostró el año pasado que es una de las promesas actorales de su generación con su papel en Leave no trace. Por el contrario, Rebel Wilson repite el tipo de interpretación que lleva haciendo siete u ocho años, y ya me empieza a dar bastante pereza. En el resto, Jojo Rabbit es lo suficientemente solvente. La banda sonora, con clásicos de la música pop cantados en alemán, es una idea interesante. La factura técnica está muy en sintonía con el resto de trabajos independientes de Waititi. Encuadres simétricos pero alejados de la obsesiva perfección formal de Wes Anderson, cámaras sobre todo estáticas, montajes al servicio de la comedia. En este aspecto, todo bien, pero tampoco nada para tirar cohetes. En resumen, como pasó el año pasado con Green book, creo que Jojo Rabbit acabará siendo una de las películas del año, y a mucha gente le flipará. A mí me ha gustado, especialmente por la calidad de sus interpretaciones y la absurdez de buena parte de su comedia, pero me parece demasiado segura para ser una sátira. Su intención no es provocar, sino trasmitir un mensaje de fraternidad y de igualdad de una manera afable y asequible. Una decisión noble y muy loable, no digo que no, pero personalmente el resultado me parece correcto, no memorable. A pesar de eso, la recomiendo, pero tienes que saber lo que vas a ver. Si la falta de veneno y el mínimo atisbo de sensiblería son cosas que te echan para atrás, tal vez Jojo Rabbit no sea tu película.

Feliz día de tu muerte 2

Ciencia ficción Comedia Sin categoría Terror
6.3

Dos años después de los eventos acaecidos en la primera película, Tree Gelbman vuelve a entrar en el bucle temporal para descubrir el motivo por el cual accedió a él en primer lugar. También debe hacer frente a Lori, que tras resucitar a causa del buble ha vuelto sedienta de venganza. Secuela de "Happy Death Day" (2017). Feliz día de tu muerte 2 Critica: Hace algo menos de dos años se estrenó "Feliz día de tu muerte", que se las prometía como una suerte de slasher mezclado con "Atrapado en el tiempo", y que cosechó bastante éxito en la taquilla, así como críticas más o menos decentes. Quizás esperaba demasiado de aquella entrega, pero a mí me dejo bastante indiferente, aunque tampoco me pareció ninguna mediocridad. En tierra de nadie, vamos. El caso es que los productores se han dado bastante prisa (lo que pocas veces es síntoma de algo bueno), y nos traen esta secuela, la cual, sinceramente, no sé quién la había pedido. Y esto que digo tiene todo el sentido del mundo, porque la secuela ha sido un sonoro fracaso, hasta el punto de que sus productores ya han anunciado el fin de la saga. Por otro lado, las críticas han sido un poco más entusiastas y algunas voces dicen de ella que es superior a la primera entrega. Pues aquí la tenemos, y el resultado es tan entretenido (salvando las distancias) como olvidable. La dirección cumple, sin más. En cuanto al guion, quiere abarcar demasiados géneros. En la primera, el terror no era, precisamente, su género predominante, y el humor estaba más o menos bien introducido, en una combinación algo lograda, aunque nunca perfecta. En esta ocasión, el terror ha cogido las maletas, para no volver, y los responsables han preferido ir de originales (la intención es lo que cuenta...o no), y han combinado ciencia-ficción, comedia (esta vez se han pasado) y drama (del de Antena 3 por las tardes). Obviamente, el que vaya buscando un slasher de terror se sentirá defraudado, y seguramente de ahí venga su fracaso. Es cierto que la película tiene un buen punto de partida (centrado en otro personaje), pero pronto se vuelve a convertir en más de lo mismo, aunque se quiere dar explicación al fenómeno del bucle (se lo podrían haber trabajado más, sinceramente), y se repiten repitiendo demasiadas escenas (obviamente, pero no era necesario volver a la primera parte), dejándose la originalidad en el camino, para intentar innovar (repito, intentar) con cambios introducidos resultando ser la mar de predecibles (como la identidad del asesino/a). Y qué decir de los personajes... algunos desaprovechados y otros con personalidades diferentes respecto a la anterior (y no me vale la excusa impuesta por la película), en unas incongruencias alarmantes respecto a lo visto hasta el momento, y encima los responsables son conscientes de ello, al querer venderlo como una sorpresa o algo fresco. Sentido cero. En cuanto el reparto, la protagonista Jessica Rothe vuelve a ser lo mejor de la película y repite el gran trabajo de la primera parte, con una interpretación carismática y muy lograda (es increíble la cantidad de expresiones que puede poner). Se puede decir, sin temor a equívoco, que ella está por encima del nivel de ambas entregas. El resto del reparto, bien, sin más. En conclusión, no estamos ante una mediocridad (como tampoco fue el caso de la anterior entrega), pero si ante una secuela insulsa, floja, intrascendente y totalmente innecesaria. Los que disfrutaron con la primera, quizás acaban hartos de que les cuenten (casi) lo mismo, y los que no disfrutaron... ahorraros el tiempo. Lo que es seguro es que este es el final de la saga, a pesar de su ridícula escena post-créditos. Un placer... puedes cerrar al salir.

Venganza bajo cero

Acción Crimen Sin categoría Suspense
5.7

En plenas montañas, viviendo entre la nieve, un apacible quitanieves vive tranquilamente en la naturaleza. Pero un día toda su paz se desmorona, pues recibe la terrible noticia de que su hijo ha muerto debido a una sobredosis. De esta forma acaba envuelto en una guerra de narcotraficantes, mientras busca venganza por lo sucedido. Hans Petter Moland (Redención: Los casos del departamento Q) dirige el remake de su propia película del 2014, que en esta ocasión cuenta con un guion escrito por Frank Baldwin (The Godmother) y con Liam Neeson (Un monstruo viene a verme) como protagonista. Venganza bajo cero Critica: Se estrena una nueva película de Liam Neeson y eso es siempre una buena noticia, si bien contiene mucho de lo visto en las más recientes películas recientes del actor, el cual casi se ha convertido en un género cinematográfico más, la película del noruego Hans Petter Moland, que es una nueva versión de una película suya estrenada en 2014, es terriblemente efectiva y muy entretenida. Neeson interpreta a Nels Coxman, un conductor de una máquina barredora de nieve en un pequeño pueblo en la montaña cercano a Denver, donde ha sido condecorado como el ciudadano del año, apreciado por su comunidad como padre y esposo de Grace (Laura Dern). Pero todo su mundo se pone de cabeza tras la misteriosa muerte de su hijo Kyle (Micheál Richardson), quien aparece muerto tras una supuesta sobredosis de drogas, por lo que tras un periodo de crisis Nels buscará vengar la muerte de su hijo, lo que se desencadenará, sin proponérselo, una sangrienta guerra entre dos bandos criminales. Esta versión en inglés funciona, en primer lugar y por supuesto, por la presencia de Liam Neeson, un actor todo carisma que ha sabido asumir este rol en diferentes ocasiones, pero siempre de manera efectiva y sin llegar a agotar el recurso. Pero, además la película funciona gracias a su trama bien desarrollada, simpáticos personajes secundarios, muertes sangrientas, algunos toques de incorrección política y unas notas de humor negro que consiguen equilibrar un típico thriller de venganza que marcha sobre ruedas de principio a fin. La película no aporta gran cosa ni trasciende más allá de lo que es, simplemente cumple a cabalidad lo que promete, y eso no es poco.

La familia Addams

Animación Comedia Familia Fantasía Sin categoría
6.6

Los integrantes de la espeluznante familia Addams preparan una fiesta a la que asistirán sus terroríficos familiares, pero una amenaza se cierne sobre todos ellos: una estrella de la televisión se ha dado cuenta de que la lúgubre mansión de la familia le impide vender todas las casas del vecindario y hará lo que sea necesario para deshacerse de ellos. La familia Addams Critica: Esta película se está llevando muchos palos en comparación con las de Barry Sonnenfeld y en cierta medida comparto algunas de esas opiniones: la trama está menos elaborada que la de aquellos filmes (aunque aquellos se sustentaban también en los gags) y aquellas versiones tenían bastante más mala leche. Sin embargo, teniendo en cuenta que esta es una película animada y los tiempos en los que vivimos me parece que esta versión ha mantenido bastantes de los rasgos que identifican a los Addams y buena parte de su humor negro. Lo vemos claro si la comparamos con la saga de Hotel Transilvania, de la que se roba unas cuantas ideas. En aquellas los monstruos pueden lucir terroríficos o tener mal genio de vez en cuando pero no hay apenas chistes macabros. Aquí los Addams siguen torturándose entre ellos, hay varios gags relacionados con la muerte o con elementos groseros o políticamente incorrectos (fetichismos sexuales, exhibicionismo...) Y, aunque el mensaje final del filme es bastante convencional y quizá algo blando para los Addams, no podemos decir que los personajes muy descaracterizados ya que, en esencia, nunca han sido "malas" personas. Incluso en los filmes de Sonnenfeld trataban de llevarse bien con sus vecinos o , al menos, con aquellos que les caían bien. En cuanto a los aspectos técnicos la película es desigual. Buena parte de los personajes humanos "normales" lucen como personajes de Illumination realizados con menos presupuesto, y me parecen muy pobres los diseños de esa compañía. En cambio los Addams están fantásticamente diseñados, recogiendo el aspecto que tenían en los dibujos originales de Charles Addams pero a la vez dándoles la personalidad que se ganaron en otras versiones como las de Sonnenfeld. Detalles como las trenzas en forma de soga de Miércoles son sutiles pero imaginativos y el acting de este personaje, sus expresiones faciales y movimientos, hacen reír por sí mismos. Otro tanto puede decirse de Lurch, Gomez y Fétido. Estos cuatro son los personajes más conseguidos en el filme, pero Morticia también tiene un buen papel. Simplemente su diseño es menos cómico. Siendo objetivos tal vez le daría un 6 por la irregularidad en su técnica, su trama poco desarrollada y su convencionalidad y copia de otras franquicias como Hotel Transilvania. Pero le doy un punto extra precisamente por lo que se le critica y yo creo que sí está: SÍ están las aristas de estos personajes, sí está su personalidad y sobre todo sí están los gags macabros que , aunque los hay mejores y peores, son bastante graciosos y en ocasiones MUY divertidos. Además consigue transmitir las personalidades que mostraban los personajes de los filmes de Sonnenfeld aún cuando los diseños de algunos de ellos son bastante más caricaturescos o algo distintos: Gómez regordete, una Miércoles físicamente muy cartoon frente a la de Christina Ricci...Esta última no tiene un carácter TAN deliciosamente psicópata como la de Ricci, de nuevo porque este filme es para niñ@s de 7 años en adelante y las de imagen real eran para mayores de 13, pero sigue teniendo un carácter lacónico y malicioso. No hay más que verla cuando se define a sí misma como "la reina del shock", cuando le dice a su hermano que le quiere o cuando lleva a cabo la disección de una rana (con un guiño a una famosa escena de Donald Sutherland en un clásico del cine fantástico). En conjunto la película funciona especialmente cuando aprovecha su carácter animado para realizar algunos gags más extremos que los de las versiones en imagen real, mostrando más animales viviendo en casa de Los Addams o un comportamiento de Pugsley similar al de otro animal (algo que toma de las tiras originales de Charles Addams). En definitiva puede que la trama sea una excusa pero los personajes siguen siendo entrañables y unas bombas de carisma, por lo que me agrada que haya tenido éxito y que vayamos a ver más aventuras de los Addams.

Un amigo extraordinario

Drama Sin categoría
7

Una historia en la cual la bondad triunfa sobre el cinismo, y está basada en la historia de una amistad de la vida real entre Fred Rogers y el periodista Tom Junod. Tom es un escritor de revista hastiado (Matthew Rhys, ganador del Emmy) que tiene el encargo de entrevistar a Fred Rogers, quien lo ayudará a superar su escepticismo, y le enseñará sobre la bondad, el amor y el perdón. Después de todo, Fred Rogers es el vecino más querido de Estados Unidos. Un amigo extraordinario Critica: A beautiful day in the neighborhood (Un amigo extraordinario en España, pero me niego a llamarla así porque me parece un título horroroso) es el tercer trabajo de la directora norteamericana Marielle Heller. He visto los dos anteriores trabajos de Heller, y ambos, sin ser espectaculares, me han parecido moderadamente disfrutables. Este año ha decidido homenajear a la figura de Fred Rogers, educador norteamericano que presentó durante décadas el programa de televisión infantil Mister Rogers' Neighborhood. ¿El resultado? Digno, pero tengo que admitir que, en líneas generales, yo no he disfrutado demasiado la película. Esto se debe sobre todo a dos motivos, el primero es culpa de la película, el segundo es culpa mía. El primero de ellos es el poco interés de su fotografía. A beautiful day in the neighborhood es, como los dos anteriores proyectos de su directora, visualmente inerte e impersonal. A Heller le falta estilo. No hay nada interesante ni característico, no trabaja la narrativa visual. Uno ve una película de Heller y si no se fija en los créditos lo más probable es que no sepa quién la dirige. Esto es algo que le pasa a muchos directores, pero el suyo es, en mi opinión, uno de los casos más claros. El segundo aspecto es, como he dicho, más cosa mía que de la película en sí, y es que, simple y llanamente, este no es mi tipo de película. Fred Rogers, para los que no lo conozcáis (que seréis muchos porque, al menos aquí en España, no es una figura demasiado conocida) es un icono de la televisión norteamericana, una de sus figuras más queridas. El público que ha crecido con él (que son millones y millones, dado que su programa se emitió desde 1968 hasta 2001) lo adora. Yo, que no lo conocía hasta el año pasado, no siento ningún tipo de apego hacia él. Eso influye mucho en mi experiencia de la película, pero influye aún más el hecho de que lo que él representa me tira muy para atrás. Y repito, es problema mío. A mí, que soy un cínico y un pesimista de mierda, la actitud tan bondadosa, tan optimista y tan inspiradora que desprende Rogers (y este trabajo, por extensión) siempre me empalaga, no lo puedo evitar. Y lo vuelvo a decir, no es culpa de la película. Se nota que el guionista ama a Fred Rogers y se siente conmovido por él, y lo representa como una figura mística, casi celestial. No dudo que haya sinceridad en el retrato de Rogers, pero yo, tal vez por mi forma de ser, soy incapaz de comprarlo.