Gran terremoto 9 grados

Gran terremoto 9 grados
6.8
En el año 1904 un terremoto de magnitud 5.4 en la escala de Richter sacudió a Oslo con el epicentro en la Fosa de Oslo que corre debajo de la capital noruega. En el presente, científicos comienzan a detectar señales que indican que un nuevo terremoto está en camino.Gran terremoto 9 grados Critica: Película noruega de catástrofes continuación a "La Ola" (Bolgen 2015) de Roar Uthaug, esta vez el encargado de dirigir es John Andreas Andersen, que con un presupuesto medio-alto consigue un film entretenido como lo fue su predecesora. El guión vuelve a ser de John Kare Raake y Harald Rosevlov Eeg. "La Ola" se convirtió en la película más taquillera del año 2015 en Noruega, siendo la primera película de desastres que se realizaba en aquel país, contaba los hechos de un terrible tsunami que azotó la ciudad de Tafjord en 1934 al desprenderse mitad de una montaña y caer al fiordo provocando una gigantesca ola. La acción la situaron en 2015 y contó con unos buenos efectos especiales digitales y una buena historia de supervivencia. En este nuevo film los personajes vuelven a repetir sus papeles, han pasado tres años desde que el geólogo Kristian Eikjord ( Kristoffer Jonner) sobrevivió al tsunami y es un héroe para la sociedad, pero su vida personal es un infierno. El trauma no lo ha superado y ve desastres por todos los lados. Con el convencimiento de que va a ocurrir un gran terremoto en Oslo comienza a investigar, pero claro está nadie le cree y comienzan a tacharlo de loco por su stress post traumático. Siguiendo la línea de films de desastres de los años 70, cumple perfectamente con un buen entretenimiento familiar.Gran terremoto 9 grados Segunda parte de la película Noruega ¨La Ola¨. Tres años después que ocurriera aquel incidente, y ya la familia separada y devastada por este hecho, se mudan a øslo. Sin embargo, Kristian, comienza a decubrir que lejos de los tsunamis de vivir al lado del mar, esta vez el peligro es un gigantesco terremoto que amenaza con gestarse y transformarse en catástrofe. Todo está contra el tiempo, incluso la incredulidad de todos, quienes (obviamente) piensan que el geólogo es un alarmista.Gran terremoto 9 grados Así, con un muy lento arranque que une ambas películas, se va medio filme sin que nada ocurra. Hasta que llega el momento. Lo aburrido es que la película dura casi dos horas y la acción llega después de una hora de película. Dos minutos de un correcto terremoto, con animaciones bastante logradas, y de ahí cambia el giro al survival. Los personajes son un poco insulsos, poco compromiso con el espectador, que quedará con un sabor a ¨Deja vú¨, ya que todas las escenas del rescate del terremoto se han visto anteriormente, es una lástima que termine siendo la película de desastres más típica de todas, solo se diferencia de las demás, por ese frío aire noruego en la actuación. De terremotos, no es de las mejores.Gran terremoto 9 grados

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1080p DUAL Español Latino 22/09/2021 1.72 GB 45 Descargar

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El rey del fin del mundo

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7.2

A mediados del siglo XIX, el gobierno británico comisiona al oficial Sir James Brooke para que termine con los piratas que asolan las costas de Malasia. Pero Brooke va más allá y una vez llega a su destino conseguirá no solo exterminar a los piratas sino que se convertirá en el rajah del Reino de Sarawak. Atesora tal poder que el gobierno británico empieza a temerle: ¿han creado un poderoso enemigo? El rey del fin del mundo Critica: La idea de llevar la vida de James Brooke a la gran pantalla era prometedora. No obstante, la ejecución es tan poco atinada que lo más atractivo que se narra sobre él está escrito en algunas frases al inicio y al final. Y es una pena, porque el film logra despertar la curiosidad acerca de su figura, ciertamente interesante, pero el guion desaprovecha la oportunidad de hacer un buen retrato. Para empezar, el arranque se sitúa ya en la edad adulta de Brooke, cuando llega a Sarawak, tras una trayectoria fracasada que le ha llevado a huir de sí mismo. Y ahí empieza el desorden: las historias y los personajes se van sucediendo a medias, sin trabajar a fondo ninguno. Mientras tanto, la voz en off del oficial va interrumpiendo la cronología con un soliloquio que, por momentos, parece postizo, ajeno a la persona que lo pronuncia. Bien orientado, podría haber sido cautivador, pues reflexiona acerca de la conciencia, la ambición o el bienestar pero, igual que sucede con los protagonistas y sus semblanzas, no se profundiza tampoco en ello. De la misma manera, la biografía de Brooke queda desdibujada por la confusión de los relatos y el punto de vista parcial, que no cuestiona sus gestas ni muestra las repercusiones. Asimismo, no se llega a vislumbrar el modo de gobierno que el militar estableció en la región, los avances que pudo instaurar o su relación a largo plazo con el Reino Unido pues la cinta se distrae complaciéndose repetitivamente en ciertas costumbres de los nativos. En este orden de cosas, la violencia explícita es muy desagradable, y la cantidad de sangre y cabezas cortadas no halla justificación –más allá de en los hábitos de sus ciudadanos–. Lo que sí merece elogios es la recreación del lugar y la época. Aunque el número de imágenes descriptivas mermen la acción del largometraje, el público puede hacerse una idea precisa de la situación. Sin embargo, no es suficiente para hacer justicia a la sugestiva personalidad a la que se pretende hacer un homenaje.

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Faith, recién divorciada, participa en un concurso de baile para salvar a su estudio. Allí conoce a Jimmy, quien le ayudará a recuperar sus sueños. Faith, Hope & Love Critica: Por una parte, soy un tardío fan de la cinta original. En 1983 me pareció un pestiño (era un adolescente abducido por ‘La guerra de las galaxias’); en 1992, en mi opinión, el montaje del director mejoraba (y mucho) la propuesta; pero no fue hasta hace algunos pocos años, ya en formato blue-ray, en que me sedujo y cautivó por completo y sin reservas. Por otra parte, soy un entusiasta admirador del director Denis Villeneuve, de quien sólo he visto aciertos de todo género y planteamiento, un virguero de las imágenes y del montaje, un artista incontestable y evidente, lo mejor que me he encontrado en una sala de cine en lo que va de siglo. Es decir, que iba con ganas y sana curiosidad al cine, esperando encontrar un propuesta inédita y – sea cual fuera el camino elegido – llena de aciertos… pero nada más lejos de la realidad.Pero vayamos por partes, porque hay muchos aciertos pero también otros tantos deméritos dignos de mención. Entre lo positivo está la puesta en escena que recrea, prolonga y amplía la arrebatadora estética primigenia: esa llovizna casi constante, esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.

Evangelion: 3.0+1.0

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Cuarto y último volumen de La Reconstrucción de Evangelion. Misato y su grupo anti-NERV, Wille, llegan a una París roja por la nucleización. La tripulación de la nave Wunder aterriza en una torre de contención con solo 720 seg para reestablecer la ciudad. Cuando una horda de Evas NERV aparece, la mejorada Unidad Eva 8 debe interceptarlos. Mientras, Shinji, Asuka y Rei merodean por Japón. Evangelion: 3.0+1.0 Critica: Existen obras que trascienden a la propia industria a la que pertenecen. "Neon Genesis Evangelion" (1995) es una de ellas. Durante más de veinticinco años la serie de televisión y sus películas continuadoras se han mantenido como un fenómeno de masas que va más allá del anime. Tras múltiples retrasos desde su fecha prevista original en 2014, y con su lanzamiento definitivo confirmado para 2020 retrasado a causa de la pandemia de COVID-19, finalmente "Evangelion 3.0+1.0" llega a Occidente meses después de su estreno en Japón y, como no podía ser de otra forma observando la dinámica actual de grandes estrenos, a través de una plataforma digital, en este caso Amazon Prime. La saga “Rebuild” que se inició en 2007 con el estreno de “Evangelion 1.0” ha tardado catorce años en completarse. Se dice pronto, y más teniendo en cuenta que entre el estreno de "Evangelion 3.33" (2012) y su continuación, punto final de la saga y quién sabe si de la franquicia, han pasado nueve años. Como referencia, más tiempo que entre el estreno de “The End of Evangelion” (1997) y el anuncio de su reboot. La pregunta a resolver resulta entonces obvia: ¿Está el film a la altura de su espera? Difícil respuesta, y más cuando se trata de una sombra tan alargada como la de la obra insignia de Hideaki Anno, pero defintivamente hay que inclinarse por un sí. "Evangelion 3.0+1.0" cumple sobradamente con las expectativas de lo que pueda esperarse como final. ¿Es la mejor película de Evangelion? No, "The End of Evangelion", en la que esta intenta fijarse y mucho, mantiene un valor cinematográfico al que se aspira pero que no se alcanza. ¿Es entonces la mejor del Rebuild? En aspectos técnicos, 3.0+1.0 resulta una obra maestra de la animación, aunque en un compendio general y a título personal 2.0 siga siendo el clímax de este arco. Por otro lado, todo lo que hace única a 3.0+1.0, especialmente en el tratamiento de los personajes tanto en la primera hora de la película como en su final, es remarcable. ¿Dónde falla entonces? En un caos narrativo que solo puede leerse en la zona spoiler.

El vicepresidente: Más allá del poder

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Muere otra vez

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Un oficial de las fuerzas especiales ya retirado se ve obligado a vivir una y otra vez en bucle el día de su muerte. Muere otra vez Critica: Frenética y divertida, esta nueva idea sobre "el día de la marmota", aderezada con mucha violencia y sangre. Roy Pulver es un ex agente de las fuerzas especiales que está atrapado en un bucle temporal en el que se repite constantemente el día de su asesinato. Pulver logra descubrir pistas sobre un proyecto secreto del gobierno donde trabaja su mujer y que podría desvelar el misterio detrás de su muerte. Por lo que deberá encontrar al coronel Ventor que es el jefe del programa sorteando a un nutrido grupo de asesinos despiadados decididos a mantenerlo alejado de la verdad, y a la vez también salvar a su esposa. Sinceramente el guion es muy sencillo, lo que le hace divertido es que se repita el mismo día infinidad de veces y al igual que ocurría en la magnífica película de Tom Cruise "Al filo del mañana" deberá de ir aprendiendo cada vez que le matan a evitarlo en la siguiente ocasión. Frank Grillo acapara prácticamente todas las escenas del film y actúa como un personaje de un videojuego, Naomi Watts y Mel Gibson como la esposa y el malo son también dos caricaturas que tienden también a la exageración al igual que el grupo de asesinos. Dirige Joe Carnahan (Ases calientes, Infierno Blanco) y salvo algunos efectos especiales de CGI que chirrían un poco, la película cuenta con unos diálogos bastante divertidos y una gran cantidad de acción que hace que pases un rato muy entretenido.

El juicio de los 7 de Chicago

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En 1969 se celebró uno de los juicios más populares de la Historia de Estados Unidos, en el que siete individuos fueron juzgados tras ser acusados de conspirar en contra de la seguridad nacional. Este hecho traería una serie de conflictos sociales (manifestaciones, movimientos ciudadanos) que pasarían a la posteridad en una época de grandes cambios en todos los niveles del pueblo norteamericano. El juicio de los 7 de Chicago Critica: El juicio de los 7 de Chicago es la nueva película del cineasta Aaron Sorkin. Sorkin es, a estas alturas, una autoridad en Hollywood. Es el creador de The newsroom y de la legendaria El ala oeste de la Casa Blanca, escribió el guion de Jobs (la buena), La guerra de Charlie Wilson y La red social, para mí su mejor creación y uno de los libretos más impresionantes y premonitorios del cine reciente. Hace unos tres años, lanzó su debut como director con la también notable Molly's game. Ahora tenemos aquí su segundo trabajo tras la cámara, a partir de un guion que escribió hace casi quince años y que ha acabado dirigiendo casi por obligación, después de que directores como Spielberg o Greengrass dejaran el proyecto. El resultado, si me preguntáis a mí, ha sido sólido. No espectacular, pero sólido. El juicio de los 7 de Chicago, para quien no lo sepa, narra los acontecimientos acaecidos entre 1969 y 1970, cuando ocho hombres fueron acusados de conspiración y de incitar a la violencia en los disturbios que se desataron en una manifestación contra la guerra de Vietman que sucedió en Chicago en 1968, durante la Convención Nacional Demócrata. La verdad es que el juicio fue tan caótico y tan surrealista que se entiende que se hagan películas sobre él. Y, dado el carácter de la historia, es inevitable que resulte un trabajo sumamente político. Vamos paso por paso. El reparto es uno de los principales ganchos de la película por la gran cantidad de caras conocidas que aparecen a lo largo del metraje. Joseph Gordon-Levitt, Jeremy Strong, Michael Keaton, Eddie Redmayne, Mark Rylance... La lista de actores de nivel es extensa. Prácticamente todos ellos cumplen con sus respectivos roles, siendo, en mi opinión, Frank Langella, con su aire desdeñoso, y Sacha Baron Cohen, con su desparpajo y su vena cómica, los que más destacan. Eddie Redmayne, con sus manos en los bolsillos, su cabeza baja y su mirada titubeante, empieza a darme un poco de pereza, si os soy sincero. En todas sus interpretaciones aparecen los mismos tics. No desentona con el retrato que hacen del personaje, pero yo qué sé, chico, varía un poquito, que si no fuera por el (cuestionable) acento americano no sabría si estoy viendo a Tom Hayden, a Newt Scamander o a Marius Pontmercy. Visualmente, la película no hace grandes alardes. Dirección funcional, en su mayor parte. Algún que otro uso de la steadicam para las ya típicas escenas sorkinianas de personajes andando por los pasillos mientras sueltan diálogos expositivos, pero este tipo de secuencias solo se dan en un par de ocasiones, no siendo tan predominantes como en otros trabajos del director. Quitando eso, poco más hay que sea vistoso, aunque seamos serios, es un drama judicial y no tienden a dejarse llevar por las florituras visuales porque, al fin y al cabo, en este tipo de películas lo que manda es el guion. Y el guion funciona bastante bien, por lo general.