La Chica Que Mato A Sus Padres

La Chica Que Mato A Sus Padres
6.5
Thriller psicológico sobre los asesinatos reales de Manfred y Marísia von Richthofen orquestado por su propia hija, Suzane, junto con su novio y cuñado, los hermanos Cravinhos. La Chica Que Mato A Sus Padres Critica: Por una parte, soy un tardío fan de la cinta original. En 1983 me pareció un pestiño (era un adolescente abducido por ‘La guerra de las galaxias’); en 1992, en mi opinión, el montaje del director mejoraba (y mucho) la propuesta; pero no fue hasta hace algunos pocos años, ya en formato blue-ray, en que me sedujo y cautivó por completo y sin reservas. Por otra parte, soy un entusiasta admirador del director Denis Villeneuve, de quien sólo he visto aciertos de todo género y planteamiento, un virguero de las imágenes y del montaje, un artista incontestable y evidente, lo mejor que me he encontrado en una sala de cine en lo que va de siglo. Es decir, que iba con ganas y sana curiosidad al cine, esperando encontrar un propuesta inédita y – sea cual fuera el camino elegido – llena de aciertos… pero nada más lejos de la realidad.Pero vayamos por partes, porque hay muchos aciertos pero también otros tantos deméritos dignos de mención. Entre lo positivo está la puesta en escena que recrea, prolonga y amplía la arrebatadora estética primigenia: esa llovizna casi constante, esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.

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Oxígeno

Ciencia ficción Drama Sin categoría Suspense
6.8

Una mujer despierta en una unidad criogénica médica. No recuerda quién es ni cómo ha terminado encerrada en una caja no más grande que un ataúd. Mientras se queda sin oxígeno, debe reconstruir sus recuerdos para escapar de esa pesadilla. Oxígeno Critica: Una mujer despierta en una unidad criogénica médica. No recuerda quién es ni cómo ha terminado encerrada en una caja no más grande que un ataúd. Mientras se queda sin oxígeno, debe reconstruir sus recuerdos para escapar de esa pesadilla. Un thriller de ciencia ficción/supervivencia/terror que sigue con una fórmula similar al de el último film que realizó Alexandre Aja ”Crawl”. Una película muy interesante y contemporánea ya que funciona a modo de metáfora sobre la era del confinamiento por “Covid19” en la que nos cuenta una historia sobre el aislamiento, la pérdida y un futuro incierto e imprevisible. Desde el mismísimo título del film ”Oxygen” el ”enfant” terrible del terror extremo francés nos asfixia con esa constante de la falta de oxígeno que es una de las consecuencias graves de la pandemia global por Covid19. Aja refleja el contemporáneo en el momento adecuado compartiendo optimismo e incertidumbre en la que debe ser su película más ”light” pero en la que aporta más madurez de su filmografía. Un film que recuerda a lo que podría ser “Buried” en ciencia ficción o el capítulo de Tarantino para ” C.S.I” Peligro sepulcral e incluso ese toque de ”2001:una odisea en el espacio” con esa voz de inteligencia artificial llamada Milo que acompaña a la prota cual Hal9000 en el film de Kubrick. Con un estilazo maravilloso y muy bien aprobechado por la ambientación en la que se desarrolla y una interpretación fascinante de “Melanie Laurent”, echándose todo el film a sus espaldas con gran carisma en una performance muy física y que resulta una de las mejores en las que el rol principal lo asume un único protagonista mostrando dolor, ira, claustrofobia de forma veraz.

Un hombre en apuros

Comedia Drama Sin categoría
6.6

Alain es un respetado hombre de negocios y un brillante orador. En su vida, no hay lugar para el ocio o la familia. Un día, sufre un derrame cerebral que frena su brillante carrera profesional y le causa problemas profundos en el habla y la memoria. En su rehabilitación cuenta con el apoyo de Jeanne, una joven logopeda. A fuerza de trabajo y paciencia, Jeanne y Alain llegarán a conocerse y él intentará reconstruirse y empezar una nueva vida.Un hombre en apuros Critica: He podido ‘disfrutar’ de una “comedia-drama” descafeinada, amable, como para usar y tirar que, no obstante, sirve para un sábado a la tarde. Sí, prefiero esta película a la cacharrería y el despropósito de la ciencia ficción desmedida y apocalíptica que nos invade en el cine.Un hombre en apuros Cuenta esta película la historia de un hombre de sesenta y cinco años que vive su vida de alto ejecutivo con una prisa y una intensidad que acaba provocándole un infarto cerebral. A partir de este punto, el hombre puntero, el brillante orador, el diligente Alain Wapler (Fabrice Luchini) se ve afectado en el habla, la orientación o la memoria. Ahora necesitará de una logopeda, del apoyo de su hija y de la compañía de su perro. En tanto, poco a poco se va convirtiendo en alguien muy diferente del que era, alguien que expresa bondad, simpatía y agradecimiento, algo que nunca antes había hecho.Un hombre en apuros La tercera obra del director Hervé Mimran se puede calificar de correctita, una cinta sin pretensiones que es una llamada al lado bueno del ser humano, esa que anida en todos nosotros y que sólo espera alguna forma de shock, conversión o inesperado encuentro con uno mismo para manifestarse, incluso en personas tan refractarias a ello como el protagonista de la obra. Conducido por un libreto del propio Mimran y Hélène Fillières (adaptación de las memorias del ex jefe de Peugeot, Christian Streiff, “J’étais un homme pressé” - “Yo era un hombre bajo presión”), la trama discurre por momentos mejores y otros más deslavazados y torpes, o sea, relato sencillo y previsible (melodrama de manual), con alguna leve crítica al mundo vertiginoso del deshumanizado capitalismo, el arribismo, la ambición o el afán de riqueza y de estatus social. Todo ello lleno de gags alguno de los cuales resultan venturosos, en tanto otros son mediocres o sencillamente pedestres. Pero quizá lo más destacable del guión sea la inconsistencia, pues va enlazando momentos y situaciones que no están hilados ni dicen al conjunto del film, por ejemplo, el encuentro de la logopeda con su madre, la trotada a pie del protagonista recién salido de un ictus haciéndose cientos de kilómetros por el camino de Santiago, salvando a un cervatillo (¿Bambi?), etc., etc., sin hablar de la truculenta ama de llaves que se pasa el metraje matando animalitos para comer: pollos, conejos, etc.Un hombre en apuros La banda sonora de Balmorhea resulta pertinaz y excesiva en un extraño intento por aportar ímpetu y energía a unas escenas de enorme futilidad; eso sí, canciones de Bob Dylan, algo de country o una versión de “Father and Son”, eso me gustó. Buena la fotografía de Jérôme Alméras que recrea las calles y el ambiente parisino.Un hombre en apuros

Ya no estoy aquí

Drama Sin categoría
7.8

Después de un malentendido con una pandilla local, el joven Ulises debe cruzar la frontera para salvar la vida. Deja atrás a su banda y la cumbia, la música que adora. Ya no estoy aquí Critica: *El movimiento Kolombia, como forma de vida Ya No Estoy Aquí, nos presenta a un grupo de adolescentes marginados (interpretados por nuevos talentos) que viven como pueden en Monterrey. Su única forma de sobrellevar los problemas y las penurias de aquel ambiente tan decadente es su pasión por las Kolombias, que les sirven para traer algo de felicidad a sus tristes vidas. A principios del 2010, surgió este movimiento, formado por grupos de jóvenes no colombianos, que mezclan su pasión por las cumbias «rebajadas» y su particular vestimenta. En Ya No Estoy Aquí, han sabido representar la esencia de sus bailes y estilos, y en general, lo mucho que significa para los jóvenes protagonistas este mencionado movimiento. Por desgracia, acabarán comprobando que la vida golpea demasiado fuerte, como para ignorar todo lo que sucede a su alrededor. Al final, todo su mundo se ve trastocado tras un malentendido con el conocido grupo criminal de Los Zetas. *Crudeza, nostalgia y emoción Ya No Estoy Aquí es auténtica, directa y con un aire de crudeza y decadencia constante. El protagonista, Ulises (interpretado por Juan Daniel García), debe huir de su ciudad natal y abandonar a su familia, amigos y sus raíces, por culpa de un percance con los Zetas. A partir de aquí, y a pesar de diversos saltos temporales algo salteados, pero comprensibles a la larga, el director se las apaña para hacernos sentir el mismo dolor y la tremenda nostalgia que siente el protagonista. Y es que los problemas no terminan cuando huye de Monterrey, ya que al cruzar la frontera para buscarse la vida en Jackson Heights, Nueva York, su estilo y su actitud resultan chocantes para mucha gente. Esto le obliga a tener que apañarse como puede en una sociedad que no le comprende, ni el entiende tampoco. Por suerte, no todo son rechazos, y Ulises encontrará algunas personas en su camino, que le demostrarán que también existe la bondad y la comprensión, en una sociedad injusta y egoísta. *Real de principio a fin Ya No Estoy Aquí es auténtica y atrevida. Una visión muy realista de una sociedad marginal que lucha por sobrevivir día a día, y que carecen de las oportunidades para salir de esa situación. No se reprime, ni se corta un pelo. La historia se desarrolla con mucha sinceridad y sin exageraciones o censuras. Puede que no resulte para todo el mundo, pero desde luego, no lo necesita. Su mensaje es claro, y no trata de resolverlo con un final feliz para quitar aspereza al relato, sino con una lección muy sencilla y una estupenda crítica social. *Conclusión Ya No Estoy Aquí no es solo un estupendo tributo al desaparecido movimiento Kolombia, sino una sincera y atrevida crítica social. Puede no resultar para todos los públicos, pero con total seguridad habrá mucha gente que logre conectar con su trama, su entorno, y con las cumbias rebajadas. El tono crudo y decadente está presente en toda la trama, provocando que el espectador acabe empatizando con el protagonista y sintiendo el mismo dolor y la nostalgia que él siente. Desde el principio hasta el final, muestra una visión realista y sin reservas, que le otorgan personalidad, y crean un gran interés por seguir la trama.

The Last Boy

Ciencia ficción Drama Sin categoría
5.1

Con el fin del mundo, una madre moribunda envía a su hijo pequeño en una búsqueda para encontrar el lugar que concede deseos. The Last Boy Critica: Por una parte, soy un tardío fan de la cinta original. En 1983 me pareció un pestiño (era un adolescente abducido por ‘La guerra de las galaxias’); en 1992, en mi opinión, el montaje del director mejoraba (y mucho) la propuesta; pero no fue hasta hace algunos pocos años, ya en formato blue-ray, en que me sedujo y cautivó por completo y sin reservas. Por otra parte, soy un entusiasta admirador del director Denis Villeneuve, de quien sólo he visto aciertos de todo género y planteamiento, un virguero de las imágenes y del montaje, un artista incontestable y evidente, lo mejor que me he encontrado en una sala de cine en lo que va de siglo. Es decir, que iba con ganas y sana curiosidad al cine, esperando encontrar un propuesta inédita y – sea cual fuera el camino elegido – llena de aciertos… pero nada más lejos de la realidad.Pero vayamos por partes, porque hay muchos aciertos pero también otros tantos deméritos dignos de mención. Entre lo positivo está la puesta en escena que recrea, prolonga y amplía la arrebatadora estética primigenia: esa llovizna casi constante, esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.

Atlantique

Drama Fantasía Misterio Romance Sin categoría
6.7

A lo largo de la costa atlántica, una torre futurista que pronto será inaugurada se cierne sobre un suburbio de Dakar. Ada, de 17 años, está enamorada de Souleimane, un joven trabajador de la construcción. Pero ella ha sido prometida a otro hombre. Una noche, Souleimane y sus compañeros desaparecen en el mar. Poco después, regresan para atormentar a su antiguo vecindario tomando posesión de las novias que dejaron atrás. Algunos de los trabajadores han venido reclamando venganza y amenazan con quemar la torre si el desarrollador no paga sus salarios. Pero Souleiman ha regresado por Ada, para que puedan estar juntos por última vez. Atlantique Critica: Mati Diop es uno de los grandes nombres del panorama cinematográfico del 2019. Y no es para menos. Atlatique es una de las películas más interesantes de este año. La cineasta ha logrado crear un filme tan interesante como singular. Una mezcla de cine intimista, social, con cierto componente de realismo mágico. En primer lugar, la película gira en torno a tres polos que se conectan entre sí: Souleimane, Ada y el inspector Diop. Pero vayamos por partes. Souleimane manifiesta la crítica social de la película. La existencia de dos mundos: el del lujo y el de la pobreza; que pese a converger en un mismo espacio físico, están a años luz uno del otro. Además, en un par de simples planos, Mati Diop muestra como para que exista ese lujo y pomposidad, es necesario que alguna parte se “sacrifique” y salga perdiendo. Y esa parte es Souleimane y sus compañeros de trabajo. Obreros en la construcción de grandes rascacielos (manifestaciones del lujo). A mayores, da la sensación de que estos obreros jamás podrán ascender profesionalmente y que quedarán estancados como meros peones de obra. Ada, en cambio, es el reflejo de la parte intimista. Su relación amorosa, su forma de vestir y vivir choca frontalmente con la tradición de sus padres y de las generaciones anteriores. Su generación supone esa ruptura con la tradición y su apertura a un comportamiento más occidental. Esto se ve en sus tribulaciones amorosas a la hora de seguir lo estipulado por sus padres, y casarse con Omar; o dejarse guiar por su corazón y vivir una relación amorosa y feliz con Souleimane. Y, por último, el inspector Diop. La parte más floja de estos tres polos. Sin embargo, es un personaje clave para ir desenmascarando todos los misterios que van poblando la cinta; además de servir de embudo para converger en la parte del realismo mágico de la película. Y es que, a mitad de la película, Mati Diop traza un giro argumental inesperado, dando entrada a la ciencia ficción y de paso, a otra capa más a la película. Una nueva lectura para un largometraje que , hasta ese momento, ya tenía capas y capas de mensajes.

Benji

Crimen Drama Sin categoría
7.1

Este peludito callejero es capaz de abrir las puertas y los corazones. Nunca encontrarás un amigo más fiel.Benji Critica: Netflix completa una buena semana en cuanto a sus estrenos de películas originales. Si antes fue con la excelente Aniquilación ahora fue el turno de una película totalmente distinta, pero de igual forma bien resuelta como lo es la nueva adaptación de Benji. Una película para los amantes de los animales y sobre todo de los perros aquí tendrán la oportunidad de gozar todo su amor por este gran animal. La verdad es que Benji es una buena película que no sale con nada fuera de lo común cuando se trata de contar una película con mascotas como protagonistas, pero la gran virtud con que cuenta Benji es en la inspirada dirección de Brandon Camp quien vuelve a readaptar la historia que su padre hiciera en los años 70s. Y la verdad es que la película cumple con los requisitos para entretenernos de buena manera y acomplejarnos en grandes partes de la película, ya que la verdad por momentos tiene escenas que de verdad debes contener las lagrimas mas aun si eres amantes de los perros y esto debido a un gran actor como lo es Benji. El quiltro se roba todas las miradas en la película. Con un carisma único en pantalla ofrece sabrosos momentos y eso es gran merito de su director que hace un gran trabajo captando y teniendo claro como ocupar planos y movimientos con tan impredecible actor.Benji Como mencione antes no es una historia que salga de lo común. Es una historia que va desde el abandono, el cariño y las aventuras de rescate. Si buscas algo novedoso en cuanto a historias no lo encontraras en Benji, pero vale la pena verla, aunque sea una historia común por que sigue siendo una formula efectiva y genera las reacciones esperadas en el espectador a medida que transcurre su metraje. Claro cuesta creer que Blumhouse este tras la producción de esta película mas si tenemos en cuenta que la productora destaca por ser líder en películas taquilleras de terror, pero aquí se nota que tienen buen ojo para seleccionar las películas a producir. En definitiva, es un nuevo punto a favor para Netflix que nuevamente vuelve da con una buena película y mejora sus negativos comentarios que traía últimamente gracias a sendas desilusiones como la tercera entrega de Cloverfield o Mute. Punto a favor para la compañía de streaming.Benji Promedio: 6,8