Miradas que Matan

Miradas que Matan
7.5
La historia de un adolescente que se ocupa de los altibajos de ser letalmente atractivo. Miradas que Matan Critica: Por una parte, soy un tardío fan de la cinta original. En 1983 me pareció un pestiño (era un adolescente abducido por ‘La guerra de las galaxias’); en 1992, en mi opinión, el montaje del director mejoraba (y mucho) la propuesta; pero no fue hasta hace algunos pocos años, ya en formato blue-ray, en que me sedujo y cautivó por completo y sin reservas. Por otra parte, soy un entusiasta admirador del director Denis Villeneuve, de quien sólo he visto aciertos de todo género y planteamiento, un virguero de las imágenes y del montaje, un artista incontestable y evidente, lo mejor que me he encontrado en una sala de cine en lo que va de siglo. Es decir, que iba con ganas y sana curiosidad al cine, esperando encontrar un propuesta inédita y – sea cual fuera el camino elegido – llena de aciertos… pero nada más lejos de la realidad.Pero vayamos por partes, porque hay muchos aciertos pero también otros tantos deméritos dignos de mención. Entre lo positivo está la puesta en escena que recrea, prolonga y amplía la arrebatadora estética primigenia: esa llovizna casi constante, esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.

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1080p DUAL Español Latino 29/09/2021 1.75 GB 9 Descargar
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Metamorphosis

Sin categoría Suspense Terror
7.4

Una familia se muda a su nuevo hogar. Allí sufren el acecho de un espíritu maligno que puede ocupar el cuerpo de los distintos integrantes. Tendrán que recurrir a un tío sacerdote especialista en exorcismos, quien acaba de atravesar un traumático fracaso. Metamorphosis Critica: Tal vez diga una herejía – ya que hablamos de películas sobre posesiones – que me lleve al potro de tortura: desde hace años el cine surcoreano se mueve entre mantener su propia identidad o la imitación al cine americano pero sin echar el freno cuando se trata de lo hortera o lo exagerado. Y de pronto llegan películas como Metamorphosis y uno descubre que puede haber un término medio. Tras un exorcismo fallido, el cura católico Joong-soo se refugia en la docencia mientras su familia, compuesta por su hermano Gang-Go, su mujer y sus tres hijos, se muda para huir de las maledicencias. Al poco de llegar, extraños sucesos tienen lugar en la casa y, por ello, piden ayuda a Joong-soo ante el temor de sufrir una posesión múltiple. Hong-Seon Kim, quedémonos con este nombre ya que tras varios thrillers para el cine y televisión, se saca de la manga Byeshin que, sin renunciar a los tópicos del cine sobre posesiones y del diablo, es capaz de llevar adelante una película que empieza floja ya que uno se encuentra una familia refrito de este tipo de historias – mamá y papá se tienen mucho rencor, hija responsable, hija tonta bote y niño coreano que llora mucho y muy exagerado - pero, ¡Atención que aquí viene lo más interesante!, es capaz de implicar al espectador y hacer que el interés vaya subiendo sin que haya bajones de ritmo. Cierto es que la primera media hora puede invitar a tirar la toalla, ese exorcismo fallido con vómitos, el retrato de la familia, la culpabilidad y pesadillas del cura, etc… Hasta que, de pronto, Hong-Seon Kim empieza a desplegar sus trucos y tienen lugar una serie de secuencias bastante inquietantes en las que, sin una sola gota de sangre, efectos especiales o golpes de sonido, la amenaza empieza a ser palpable. Para el recuerdo una secuencia que empieza en una habitación y pasa al rellano para terminar en otra habitación distinta, que muestra como en cinco metros y a plena luz puede generarse el terror.

Ejército de los muertos

Acción Ciencia ficción Crimen Sin categoría Suspense Terror
6.5

Un grupo de mercenarios decide llevar a cabo el mayor atraco que jamás se haya realizado en la ciudad de Las Vegas, Nevada justo después de que se produzca una epidemia de muertos vivientes. Para ello tendrán que adentrarse en una zona de cuarentena, con los riesgos que ello conlleva. Critica: Aviso (para fans y acólitos de Snyder): No soy hater del director, aunque no haya disfrutado de la mayoría de su filmografía, siendo precisamente su debut, El amanecer de los muertos, lo mejor que ha dirigido jamás. Aunque irregular y fallida, considero que Batman v. Superman tiene elementos positivos y rescatables, pero poco más se puede destacar de un cineasta sobrevalorado como pocos y con una temible horda (mucho peor que unos hambrientos zombis) tras de sí. ¿Significa eso que me cause rechazo? Para nada, hasta el punto de que esperaba con bastante ilusión esta nueva incursión zombi del director, después de la maravillosa El amanecer de los muertos. Dicho esto, comencemos. Mucho se ha hablado de la nueva propuesta de Netflix, Ejército de los muertos (Army of the Dead), aunque por motivos ajenos al film. Y es que Zack Snyder, para bien o para mal, es uno de los directores más polémicos y populares del momento, en especial gracias a su innecesaria versión de cuatro horas de La liga de la Justicia. Una vez Warner Bros. ha cortado relación después del citado montaje, la plataforma ha acogido al bueno de Zack con los brazos abiertos. El resultado es esta presunta fiesta zombi (así se ha vendido), siendo una especie de secuela espiritual del fascinante remake de Romero (ya os digo yo que no…), con la promesa de un rato entretenido repleto de casquería y humor grueso. Pues lo dejo bien claro desde el principio: ni una cosa ni la otra, siendo una propuesta tan irregular y fallida como decepcionante. Como indica el póster y los tráilers, el señor Snyder se ha encargado de la dirección, el guion, la fotografía, la producción y todo lo que se le ha permitido (Netflix le ha dado bastante manga ancha y él más que feliz). Vamos, que no ha protagonizado su propia película por poco. Es por ello que esta vez no puede culpar a nadie del fracaso de su nuevo proyecto, notándose sus carencias narrativas y su falta de ritmo, en una producción que dura, atención, dos horas y media, injustificable en una película de este género y con esta premisa. Eso ya mata la película, y más si pones toda la carne en el asador en la media hora final (que tampoco es para tirar cohetes), con dos horas en las que no sucede nada interesante, centrándose la historia en unos personajes que nos importan bien poco (y cuando hay alguno con potencial se lo quitan de en medio…).

Tolkien

Bélica Drama Historia Romance Sin categoría
7

Inglaterra, principios del siglo XX. El futuro escritor y filólogo John Ronald Reuel Tolkien (1892-1973) y tres de sus compañeros de escuela crean un fuerte vínculo entre ellos al compartir la misma pasión por la literatura y el arte, una verdadera hermandad que se fortalece a medida que crecen; pero el estallido de la Primera Guerra Mundial amenaza con destruirla. Tolkien Critica: El biógrafo de J.R.R. Tolkien, John Garth, dice que entiende por qué la sociedad oficial de Tolkien y su familia se desvincularon por completo de este proyecto y anima a cualquiera que esté interesado, a que busque información sobre la verdadera vida del legendario autor. En mi opinión la película viene a ser otro ejemplo de como Hollywood suplanta a una personalidad interesante y rica, por un estereotipo plano y sin alma que encaje en su esquema. La película "Tolkien (2019)" ignora el eje central de la vida de Tolkien: el catolicismo. El autor de "El señor de los anillos" fue un fiero defensor y dedicó gran parte de su vida al estudio de la religión católica. Casi cualquier carta de su abundante correspondencia da testimonio de su fe. La cinta evita o ignora esto, distorsionando así puntos cruciales en su vida: - La madre de Tolkien, Mabel, murió de complicaciones de diabetes. Su familia, que era protestante, se negó a ayudarla económicamente ya que ella se había convertido, junto con sus dos hijos, al catolicismo. Aún así ella prefirió no renunciar a su fe y creencias. Años más tarde Tolkien criticaría duramente al protestantismo por ser en sus palabras "una rama del cristianismo basada en el odio al catolicismo" y elogiaría a su madre. - A los 12 años es acogido por un cura católico, quién dará al huérfano un lugar en el mundo, le ayudará a crecer, a desarrollar su interés por las lenguas y a convertirse en estudiante de Oxford (aunque en este film solo se le presente como una figura severa que le regaña o le da malos consejos). - Tolkien mantuvo correspondencia con estudiosos como C.S. Lewis (autor de Narnia) sobre el sentido del cristianismo y la importancia de la doctrina católica. Criticó severamente el cambio del idioma en que se hacían las misas (del latín al inglés), y su hijo Christopher recuerda como le avergonzaba que su padre alzase la voz en latín en mitad de la misa. Pero en la película no se hace ni la más mínima mención a su vínculo con la religión, de vital importancia para entender su personalidad. No es descuido ni equivocación, tuvieron que saberlo pero lo arrancaron de raíz. Incluso parecen sugerir lo contrario: en la casi única referencia que se hace en el film a que una vez existiese algo llamado cristianismo, el cura le dice a Tolkien que no es buena idea andar con Edith en público ya que ni siquiera están casados, a lo que el escritor responde con una mueca de incredulidad y desagrado, como si le hubiese dicho algo completamente absurdo y anticuado para esas personas en esa época. El Catolicismo es más importante para entender su obra que la mitología nórdica y las Eddas, más importante que "El anillo de los Nibelungos", más que "la leyenda del anillo de Gijes" (en "La Republica" de Platón), más importante que la mitología céltica, las leyendas artúricas y el folklore y literatura anglosajones. Como cristiano convencido se puede decir que su relación con Dios era incluso más importante que sus amigos y que su esposa para él. En su magnífica obra, Tolkien reserva para el catolicismo un lugar especial entre las otras influencias y en sus cartas lo llama en varias ocasiones el "Mito verdadero" situándolo por encima de todo lo demás.

En un barrio de Nueva York

Drama Musica Romance Sin categoría
7.4

Adaptación del musical de Broadway de Lin-Manuel Miranda en el que el propietario de una bodega duda sobre si cerrar su negocio y retirarse a la República Dominicana tras heredar la fortuna de su abuela. Critica: En un barrio de Nueva York es la adaptación a la gran pantalla de In the Heights, musical de Broadway de 2008 que ganó el Tony y puso en el mapa la figura del actor, rapero y compositor Lin-Manuel Miranda, quien unos años después crearía el fenómeno cultural de Hamilton. Como fan de los musicales en general y del trabajo de Miranda en particular, no os podéis imaginar las ganas que tenía de ver esta película desde que anunciaron su estreno. Tras haberla visto tengo que decir que estoy algo decepcionado, por desgracia. Intentaré explicar por qué. Quiara Alegría Hudes, escritora el libreto original, se ha encargado de adaptar el guion, y con su trabajo en la película no tengo demasiados problemas. En En un barrio de Nueva York seguimos las idas y venidas de varios personajes en el vecindario mayoritariamente latino de Washington Heights. Aunque sea un trabajo coral, hay un claro protagonista que es Usnavi, el dueño de una tienda cuyo sueño es regresar a República Dominicana y restaurar el negocio de su padre. Casi todos los personajes tienen su momento para brillar, y las subtramas están resueltas con eficiencia. En este aspecto hay algunos cambios con respecto al texto del musical, es evidente y supongo que inevitable. Camila, la madre de Nina, desaparece de la historia, pero no pasa nada, el conjunto no sufre por ello. Sí es más perjudicial el menor desarrollo que recibe Benny, el interés amoroso de Nina, que acaba careciendo de dirección y resultando más plano que el resto, sobre todo en comparación a la obra original. No entiendo esta decisión, la verdad. No es un personaje menor y creo que merecía más atención. A pesar de eso, y de más de un momento de excesiva ñoñería, creo que la historia funciona como celebración de la comunidad latina de Estados Unidos, de su raza y de sus orígenes. Es evidente que se hilan algunos temas chungos (la gentrificación que sufre el barrio es una constante que amenaza y presiona, y sus consecuencias son sufridas por la mayoría de residentes de Washington Heights, pero a esto también se le añaden la inmigración ilegal [que creo que está añadido en la película porque no recuerdo que apareciera en el musical de Broadway], las dificultades económicas, la presión tanto interna como externa sufrida por las minorías, etcétera), y si soy sincero, me habría gustado que se les diera más peso, porque creo que quedan como algo superficial enterrado bajo tanta purpurina, pero bueno, entiendo que es el camino que decide tomar la película, y creo que lo que hace, lo hace bien.

Yo soy Simón

Comedia Drama Romance Sin categoría
8.1

Simon Spier es un joven 16 años que no se atreve a revelar su homosexualidad, ya que prefiere esperar al musical que se celebra en secundaria. Pero un día, uno de sus correos electrónicos llega a manos equivocadas y las cosas se complican extraordinariamente.Yo soy Simón Critica: Volver la vista atrás puede llevarnos a la nostalgia del edén perdido… pero a también a la rabia de las dificultades y de los sinsabores que tuvimos que soportar cuando entonces. Y si bien esta tragicomedia está sobrecargada del más adocenado y banal tufillo del trivial género de adolescentes norteamericano – tecnicolor inmaculado, brillantez hedionda, optimismo ingenuo y desbordado – está también barnizada de cierto tono reivindicativo de la ‘normalidad diferente’ que la hace relucir con luz propia. Y con justicia. Cuando el cine de consumo de Hollywood – en uno de sus géneros más rancios y purulentos – abraza con normalidad, respeto y sincera empatía la reivindicación de la identidad gay de un adolescente empanado… entonces es que estamos en el buen camino de la tolerancia.Yo soy Simón Pero esta entrañable película es bastante más que la demostración palmaria que lo gay no sólo se ‘tolera’ sino que se entiende como una forma de ser distinta pero igual de respetable que cualquier otra, aunque hasta hace no tanto tiempo se pudiera abocar al suicidio (o el asesinato) de algunos adolescente por la fobia visceral que ciertos cromañones vocingleros y anacrónicos pudieran hacerles pasar las de Caín – con sus actitudes de odio y persecución – a compañeros más frágiles e inseguros que ellos, tal y como ocurrió, por ejemplo, con el estudiante Matthew Shepard (1976-1998) en Wyoming, que fue apaleado, torturado y asesinado por unos furibundos neandertales ‘heteros’, armados de antipatía, aversión y estacas por el mero hecho de que su víctima era un gay pacífico e indefenso. En apenas veinte años hemos pasado de lo más negro al más refulgente rosa sin apenas tener que pestañear (ni ponernos rímel). Ojalá no se detenga nunca esta venturosa evolución. Familia inmaculada. Problemas de catálogo de IKEA (montables y desmontables con garbo, soltura e intrascendencia). Amistades, relaciones y amoríos tan endulzados como rezumantes de golosa nata, recubiertos de sirope de fresa y ‘toppping’ de ositos de goma multicolores (o ‘Arco Iris’ para variar). Sin embargo, lo realmente reseñable es el modélico guión escrito por Elizabeth Berger e Isaac Aptaker, que sirviéndose del más trivial catálogo de personajes que pueblan estas comedias bufas y banales, consiguen revestir a todos los protagonistas con una envoltura acorazada de autenticidad que sorprende y reconforta, dotando a los diálogos de una inesperada hondura y honestidad que conmueve. Sería fácil desmontar o despreciar la película, tirándola al cubo de la basura de los productos de consumo frívolo, pero sería injusto: tiene algo que decirnos y lo hace con gracia, sencillez y simpatía. Yo soy Simón

Voyagers

Ciencia ficción Sin categoría Suspense
6.4

Crónica de la odisea de 30 hombres y mujeres jóvenes que son enviados al espacio remoto en una misión multigeneracional con el propósito de hallar un nuevo hogar para la especie humana. Poco a poco la tripulación comienza recuperar el estado más primitivo del ser humano, lo que les convierte en la auténtica amenaza de la misión. Voyagers Critica: Existe consenso entre la mayoría de los científicos sobre la necesidad, antes o después, de colonizar otros mundos si se pretende que el ser humano perpetúe su presencia en el cosmos. Calentamiento global, sobrepoblación, recursos naturales menguantes, conflictos, guerras. Hay nubarrones cerniéndose sobre el horizonte. En ese contexto se desarrolla 'Voyagers', última película de Neil Burger. Unos niños van a ser criados y educados para que de jóvenes emprendan un viaje sin retorno de 86 años de duración, rumbo a un planeta dónde la tercera generación de estos pioneros logre asentarse. Les acompaña su instructor y padre del programa (Colin Farrell). La planificación es exhaustiva: roles bien definidos; fecundación in vitro de las mujeres para que tengan descendencia; medicinas que aplacan el efecto efervescente de las hormonas, plan de vuelo sin espacio para la improvisación. Un incidente en la nave amenaza con desatar el caos, derrumbando un entramado cuidadosamente hilado, dejando paso al desorden. Burger intenta reproducir a pequeña escala, en un entorno que en estos tiempos sabe a confinamiento, gran parte de los males que aquejan a la humanidad (envidia, lucha por el poder, liderazgos autoritarios, traición, crimen). Sabe contar historias y la alegoría subyacente a la narración mantiene la tensión. Sin embargo, el perfil trazado de los personajes apenas si tiene capas. Es en esa superficialidad dónde 'Voyagers' pierde fuelle y el drama interior de estos jóvenes (que nunca fueron dueños de su destino) no acaba de explotar, como hiciera James Gray en 'Ad Astra' con la búsqueda contrarreloj de un viejo astronauta. Tampoco impone esa atmósfera magnética de películas como 'Aniara', ni destaca en su aspecto visual, que es cuidado, pero en ningún caso brillante. Llegado el clímax, se deja poco espacio para la sorpresa, incluyendo un mensaje con sabor a moralina un tanto tosco, a partir de su obviedad.