The Umbrella Academy

The Umbrella Academy
8.7
Un grupo disuelto de superhéroes se reúne después de que su padre adoptivo, quien los entrenó para salvar el mundo, muere. The Umbrella Academy Critica: *Un cómic premiado; una serie realizada con interés The Umbrella Academy es la adaptación de las novelas gráficas, galardonadas con el prestigioso premio Eisner, escritas por Gerard Way (de la banda My Chemical Romance) e ilustradas por Gabriel Bà. La serie comienza mostrándonos como dan a luz varias mujeres que, al inicio del día, ni siquiera estaban embarazadas. Trascurre el año 1989. Nacen 43 niños aparentemente prodigiosos. Siete de ellos son adoptados/adquiridos por un excéntrico, y rico, tipo llamado Sir Reginald Hargreeves (Colm Feore). La muerte de Hargreeves (la cual tiene lugar al inicio del primer capítulo, por lo que no estoy desvelando gran cosa; es más, en todas las sinopsis se menciona) reúne a tan peculiar como disfuncional familia. Familia que se tendrá que enfrentar al mayor de sus retos. *¿Otra de superhéroes? No. Desde ya lo digo, The Umbrella Academy no es otra serie de superhéroes. Es más, ni siquiera viene a ocupar el enorme hueco que han dejado las series de Daredevil y compañía que la plataforma (hablo de Netflix, claro) canceló para sorpresa de muchos. The Umbrella Academy es distinta, tanto en tono como en intenciones. Es decir, poco tiene que ver con las llevadas a cabo por el tándem Netflix–Marvel (como la ya mencionada Daredevil) o con las de DC que emite el canal juvenil The CW (con Arrow a la cabeza). *Mezcla explosiva The Umbrella Academy conjuga distintos géneros (estando bien traídas tantos las escenas de acción como las más puramente cómicas; atención al personaje al que da vida Robert Sheehan, actor al que vimos en las primeras temporadas de la muy recomendable Misfits, otra atípica serie de ¿superhéroes?, y que aquí puede dar rienda suelta a todo su histrionismo al dar vida a un joven adicto y esperpéntico como pocos). Diría que los únicos que me chirrían un poco son los momentos más dramáticos. Por fortuna tenemos la intriga; el misterio. Al final del primero de los 10 episodios que componen esta temporada se nos desvela el mayor de sus secretos (el que obliga a que todos nuestros protagonistas, señalemos que la serie es bastante coral, tengan que unir, muy a su pesar, fuerzas), pero la serie juega con otros tantos que funcionan lo suficientemente bien como para mantenernos pegados a la pantalla.
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Posesión Diabólica

Ciencia ficción Drama Sin categoría Suspense Terror
5

Alex y Lisa son una pareja que emprende un largo viaje por carretera para volver al pueblo de sus raíces familiares, ya en su antigua casa, Alex es gradualmente poseído por una entidad maligna, que poco a poco comienza a sustituir su identidad. Posesión Diabólica Critica: Por una parte, soy un tardío fan de la cinta original. En 1983 me pareció un pestiño (era un adolescente abducido por ‘La guerra de las galaxias’); en 1992, en mi opinión, el montaje del director mejoraba (y mucho) la propuesta; pero no fue hasta hace algunos pocos años, ya en formato blue-ray, en que me sedujo y cautivó por completo y sin reservas. Por otra parte, soy un entusiasta admirador del director Denis Villeneuve, de quien sólo he visto aciertos de todo género y planteamiento, un virguero de las imágenes y del montaje, un artista incontestable y evidente, lo mejor que me he encontrado en una sala de cine en lo que va de siglo. Es decir, que iba con ganas y sana curiosidad al cine, esperando encontrar un propuesta inédita y – sea cual fuera el camino elegido – llena de aciertos… pero nada más lejos de la realidad.Pero vayamos por partes, porque hay muchos aciertos pero también otros tantos deméritos dignos de mención. Entre lo positivo está la puesta en escena que recrea, prolonga y amplía la arrebatadora estética primigenia: esa llovizna casi constante, esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.

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7.5

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Woody siempre ha tenido claro cuál es su labor en el mundo y cuál es su prioridad: cuidar a su dueño, ya sea Andy o Bonnie. Sin embargo, Woody descubrirá lo grande que puede ser el mundo para un juguete cuando Forky se convierta en su nuevo compañero de habitación. Los juguetes se embarcarán en una aventura de la que no se olvidarán jamás. Toy Story 4 Critica: Tras la perfección absoluta que era Toy Story 3, con ese final apoteósico y redondo, realmente hacia falta hacer una película más basada en este universo y en estos personajes? Antes de ver Toy Story 4, la respuesta es un obvio NO. Tras ver Toy Story 4 me quedo con el SI. No es tan redonda ni perfecta como Toy Story 3, pero la historia que cuenta esta nueva entrega profundiza aun más en el alma de estos juguetes y sobretodo en las nuestras, las de los espectadores. El mazazo emocional que nos arrean en los primeros 10 minutos de película ya viene avisándonos de que este film no es ninguna broma, ni una secuela hecha para sacarnos la pasta como por ejemplo lo son la segunda de Rompe Ralph (que me encantó pero no hacia falta) y la de Monstruos University que sigo sin entender la necesidad de su existencia. En cambio esta Toy Story 4 se justifica a si misma nada más empezar. El resto del filme se desarrolla y está al mismo nivel que las otras 3. Tenemos risas, aventuras, nuevos y carismáticos personajes, enredos, y sobretodo muchísimo entretenimiento. Hasta llegar a ese final no apto para personas con síndrome de Peter Pan, en el que la hostia emocional es considerable y que hará que más de uno o una de vosotros/as salga completamente planchado/a del cine. Y es que esta cuarta entrega sigue con la estela de la tercera y profundiza en los sentimientos, en los de estos juguetes que ya son más nuestros que de Andy o Bonnie, y remueve nuestros propios sentimientos. Toy Story 4 consigue lo que pretende, tocarnos la fibra, hacernos pensar, divertirnos como enanos y devolvernos otra vez (y ya van 4) a nuestra infancia.

Corazón borrado

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7.1

La historia se centra en el hijo de un pastor Bautista de una ciudad de Arkansas. El joven con 19 años decide contarles a sus padres que es homosexual. Ante esta confesión le envían a 'Love in action', un programa de conversión en el que a través de doce pasos y muchas lecturas de la Biblia, intentan suprimir esta identidad.Corazón borrado Critica: Construir tu propio carácter siempre es tarea difícil para cualquier adolescente: muchas veces sabe (o cree saber) lo que se espera o exige de él, pero no siempre escucha o atiende a lo que él necesita o desea en realidad, porque da más importancia y valor a los dictados normativos – explícitos o implícitos – que va absorbiendo de su entorno (familia, amigos, sociedad, …) que a sus necesidades y anhelos íntimos, porque aún no sabe calibrar por sí mismo los límites entre su pulsión real y sus ansias gregarias de obtener un lugar en el mundo. Es una frágil y sutil lucha entre querer ser bueno y querer seCorazón borrador aceptado por todos a los que ama y necesita. Pero si nos dejamos imponer la tiranía de los ojos que nos miran sobre la verdad de nuestra inalienable esencia, estamos perdidos. La presente cinta pudiera parecer una obrilla académica que ilustra lo antedicho, pero en realidad es una radiografía del terror (y horror) psicológico al que es sometido un joven – hijo de un predicador evangélico y de una sumisa esposa amantísima – por una denuncia anónima e interesada, de ser gay. Internado en un centro de ‘reeducación’ (terrible y falaz palabra que presupone que podemos ser programados a voluntad) para personas extraviadas del ‘recto camino bíblico’, asistimos al impío y desolador calvario de ser tratado como escoria, como engendro infecto, como morralla inmoral y pecaminosa por la nimia e invisible diferencia de orientar tu deseo y afecto emocional y sensual hacia personas de tu mismo sexo. Podrá ser una disposición minoritaria, pero ¿acaso depende el respeto que nos otorguen los demás a que tengamos que ser, por obligación o mandato, siempre unánimes y uniformes? Quizás para aquellos que nunca hayan tenido que enfrentarse, por los motivos o razones que sea, a lo que de ellos se esperaba o exigía, tengan alguna dificultad de entender el desgarro, angustia y desolación que supone tener que rebelarse frente a tus seres queridos y tomar la decisión de ser honestos consigo mismos antes que sucumbir a la hipocresía y castración de cumplir con la imposición colectiva de fluir con la mayoría y no salirse de los márgenes trazados, aunque esto conlleve el sacrificio de ser excluidos del seno familiar o del amparo y protección de la comunidad. Ser diferente nunca es fácil. Proclamar y defender esa disparidad puede ser devastador.Corazón borrado Estamos ante un penetrante estudio de caracteres. Y para ello es de vital importancia contar con unas excelentes actuaciones – como es el caso – para comprender la dolorosa amalgama de los afectos y fobias que están en juego: Lucas Hedges brilla como el acosado afligido; y Nicole Kidman está soberbia como madre escindida entre dos ¿irreconciliables? lealtades.

Kenshin, el guerrero samurái: El final

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7.9

Himura Kenshin es un espadachín legendario que ha dejado de matar gente con su espada. En cambio, usa una espada de filo desafilado. Intenta vivir una vida pacífica con Kaoru, quien dirige una escuela de esgrima en su aldea. El pasado de Kenshin lo alcanza y causa la destrucción del restaurante Akabeko, que era el lugar favorito de Kenshin para comer. Allí, encuentra una nota con la palabra 'Jinchuu'. Kenshin, el guerrero samurái: El final Critica: Por una parte, soy un tardío fan de la cinta original. En 1983 me pareció un pestiño (era un adolescente abducido por ‘La guerra de las galaxias’); en 1992, en mi opinión, el montaje del director mejoraba (y mucho) la propuesta; pero no fue hasta hace algunos pocos años, ya en formato blue-ray, en que me sedujo y cautivó por completo y sin reservas. Por otra parte, soy un entusiasta admirador del director Denis Villeneuve, de quien sólo he visto aciertos de todo género y planteamiento, un virguero de las imágenes y del montaje, un artista incontestable y evidente, lo mejor que me he encontrado en una sala de cine en lo que va de siglo. Es decir, que iba con ganas y sana curiosidad al cine, esperando encontrar un propuesta inédita y – sea cual fuera el camino elegido – llena de aciertos… pero nada más lejos de la realidad.Pero vayamos por partes, porque hay muchos aciertos pero también otros tantos deméritos dignos de mención. Entre lo positivo está la puesta en escena que recrea, prolonga y amplía la arrebatadora estética primigenia: esa llovizna casi constante, esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.

The Assistant

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6.4

Jane, recién graduada universitaria y aspirante a productora de cine, consigue un trabajo aparentemente ideal como ayudante de un poderoso ejecutivo de la industria del entretenimiento. Su jornada laboral de secretariado no es muy distinta de la de sus colegas: preparar café, cambiar el papel en la fotocopiadora, pedir el almuerzo, organizar viajes, tomar recados o atender llamadas. Pero con el paso del tiempo, va dándose cuenta del abuso que colorea insidiosamente cada aspecto de su jornada laboral, una acumulación de degradaciones contra las cuales Jane decide plantarse, quizás solo para descubrir la verdadera magnitud del problema en el que se ha involucrado. The Assistant Critica: Aunque la película no menciona ningún nombre, la figura de Harvey Wenstein (hoy cumpliendo una condena de 23 años) nos viene sin dudar a la memoria. Sin embargo la originalidad del film reside en que la directora Kitty Green opta por no contar la historia del depredador sexual, sino de la gente que le rodea y que ignoran o no quieren ver lo que está sucediendo a su alrededor, por lo que este tipo actúa con la mayor de las impunidades. Como su titulo indica "La asistente" sigue el día a día de una recién graduada que lleva dos meses trabajando en una productora cinematográfica importante. Es chica para todo abre la primera y cierra la última, no cumple un horario normal y hace cualquier recado que le digan con la mayor rectitud. Pero observa ciertas conductas de su jefe que comienzan a escandalizarla por dentro. Cuando aparece una chica joven y guapa para un puesto nuevo en la oficina con poca preparación y ve que su jefe la aloja en un hotel reuniéndose con ella más tarde allí, decide poner en conocimiento los hechos a recursos humanos... La impotencia y la incomodidad de esta chica al ver que todos miran para otro lado y ni siquiera comentan e incluso se ríen de estas conductas, escuchando comentarios como "tú tranquila que no eres su tipo" o "Ella va a ganar más que él" empezara a concienciarse de que es lo que tiene que hacer, seguir la corriente o nadar en contra y perder su trabajo. Casi el cien por cien del metraje de la película lo soporta Julia Garner, una joven y prometedora actriz que gano este año el Emmy por interpretar a la magnífica Ruth Langmore de la serie de Netflix "Ozark", la cual aguanta el tipo con una lánguida expresión todo tipo de burlas y desprecios de sus compañeros. Un film interesante y curioso, de ritmo lento pero con diálogos y situaciones muy eficaces. Destino Arrakis.com